En su primer manifiesto A. Artaud dice: (1926)
“La ilusión no versará sobre la verosimilitud o la inverosimilitud de la acción, sino sobre la fuerza comunicativa y la realidad de esta fuerza… No es al espíritu o a los sentidos de los espectadores a los que nos dirigimos, sino a toda su existencia. A la de ellos y a la nuestra. Arriesgamos nuestra vida en el espectáculo que se desarrolla sobre la escena… El espectador que viene a nosotros sabe que viene a ofrecerse a una verdadera operación donde no sólo su espíritu sino también sus sentidos y su carne están en juego. En adelante irá al teatro como va al cirujano o al dentista. Con el mismo estado de espíritu, con el pensamiento, evidentemente, de que no va a morir, pero de que es algo grave y de que no saldrá de allí intacto”.
El teatro intrínsecamente es de por sí transformador, tal como apasionadamente lo describe A. Artaud (1896 – 1948). Transforma con solo acceder a él, esto es inevitable, sólo hace falta estar ahí. El acto teatral es un acto sagrado.
Decir esto no alcanza para enhebrar redes conceptuales que nos acerque al fenómeno de unir, tramar y amalgamar, el teatro y la psicoterapia gestalt. Para su fundamentación teórica de un teatro terapéutico gestáltico, no se trata de una simple adición, si así lo hiciéramos lo reduciríamos a un axioma, hartamente recitado acerca de que todo teatro es terapéutico.
Acerca de que Todo Teatro es terapéutico, es de por sí una frase un poco ambigua, desde el aspecto del humor, ligado a la risa, se ha podido comprobar que ésta, mejora la circulación, dilata los vasos, relaja los músculos, oxigena los pulmones, elimina las toxinas, tiene una notoria influencia en la química del cerebro y de sistema inmunitario, con una sonrisa segregamos endorfinas. Pero esta sería un simplificación exagerada, ya que la risa o el humor es solo un aspecto o una fase del hecho teatral, de esta manera nos quedaríamos con una parte del todo, solo con la vivencia, y con solo una de ellas, mi Background es fundamentalmente el arte, si esto fuera una pintura, nos quedamos adherido a una sola tonalidad, y perdemos la posibilidad del contraste, es decir es necesario incluir un concepto fundamental, que es la polaridad en la obra de arte.
El teatro: La palabra “teatro” proviene del griego theatrón, que significa “lugar para contemplar”. Se trata de un arte que busca representar historias frente a una audiencia, combinando actuación, discurso, gestos, escenografía, música y sonido. El teatro tiene diversas formas (ópera, pantomima, ballet, etc.), suele estar constituido por una diversidad de elementos que son necesarios a su naturaleza. Por ejemplo, el texto basado en diálogos en primera persona, aunque también una obra puede ser representada a través de la mímica o la danza, sin necesidad de texto escrito.
El teatro nace en Grecia, pero antes de su nacimiento ya existían manifestaciones teatrales en el mundo: las danzas, las más antiguas formas del arte escénico. Estas primeras manifestaciones dramáticas son las prehistóricas danzas mímicas que ejecutaban los magos de las tribus, acompañándose de música y de masas corales en sus conjuros con objeto de ahuyentar los espíritus malignos, y otras pantomimas y mascaradas, así como las danzas córicas en honor de Dionisio, renovación del culto de Príapo, que se celebraba al pie de la Acrópolis de Atenas.
Psicoterapia Gestalt: Es en sus orígenes muy reconocido al teatro como una de sus fuentes (Erving y Miriam Polster (1973), Joseph Zinker (1977), Serge Ginger(1987), Paco Peñarrubia (1998), etc.). Como así también el amor de Fritz Perls, por y hacia el teatro. Tejiendo una intensa ligazón, entre el teatro. Lo estético y la psicoterapia.
Fritz antes de conocer a un Goodman conoció mucho antes a un Goldman, que este último produjo una profunda hendidura en su personalidad: Maximilian Goldman; Baden, 1873 – Nueva York, 1943) Hijo de un comerciante judío, se hizo llamar Max Reinhardt y estudió Economía en Salzburgo y Arte Dramático en Viena. Adquirió y reconstituyó la compañía teatral “Deutsches Theater”, dirigiéndola en una primera etapa que abarcó desde 1905 hasta 1919.
La figura de Max Reinhardt representa un auténtico mito dentro del mundo del teatro por sus cruciales aportaciones a esa disciplina artística.
Reinhardt tuvo una importancia vital en la renovación del teatro moderno. Opuesto al naturalismo, produjo y dirigió obras teatrales y más tarde películas con decorados espectaculares, escenas de masas y música. Impulsó el expresionismo tanto en el teatro como en el cine germano, creando formas impresionistas mediante el uso de la luz. El juego de luces y sombras, tamizadas por cortinas, así como unos imaginativos decorados, le sirvieron para crear una continua sensación de movimiento que expresaría las tensiones internas de la obra dramática. Ese contraste violento de tinieblas y claridad posibilitaría también la creación de una atmósfera densa, donde los actores se expresarían mediante la mímica y la gestualidad del cuerpo.
Personajes y escenarios se presentaron de una manera distorsionada, con la intención de producir un gran impacto emocional.
El encuentro de Max y Fritz, aconteció en la adolescencia de éste último, cuando Max Reinhardt era director del “Deutsches Theater”, allí es dónde Fritz tomó sus primeras clases, y mas tarde lo reconoce como un autentico maestro suyo.
Psicoterapia gestalt y teatro. Su integración: La síntesis del teatro y la psicoterapia gestalt, da lugar al teatro terapéutico gestáltico (TTG). (A. Segovia (2006))
La concepción de TTG, incluye todas las herramientas del teatro, propongo un viaje, un viaje dramático, en extensión, elevación y profundidad del sí mismo, realizando un autentico trabajo sobre sí.
Actuando de forma invisible, como una acabada bomba en profundidad, que se coloca en el acto teatral, que luego tendrá sucesivas explosiones, algunas silenciosas, otras más ruidosas.
Éste viaje; se realiza sobre cinco territorios (Jacques Lecoq (1997)), que implica una genuina hoja de ruta:
- Melodrama à Los grandes sentimientos
- Comedia dell arte à Comedia Humana
- Bufones à De lo grotesco al misterio
- Lo Trágico à Coro y héroe en una misma empresa.
- Clown à Lo Burlesco Y Lo Absurdo
Teniendo en cuenta que toda organización viviente es autopoiético, procede de movimiento, que crece y que disminuye y conserva cierto orden interno, en cada escena teatral, improvisación o tramo de vida, se puede reconocer esta organización, se puede reconocer la importancia de que todo cuerpo humano, posee ciertas leyes de movimiento:
- Equilibrio
- Desequilibrio
- Oposición
- Alternancia
- Compensación
- Acción y reacción
Todo movimiento externo posee una entramada analogía a los movimientos internos:
- No hay acción sin reacción
- El movimiento es continuo, avanza sin cesar
- El movimiento procede siempre de un desequilibrio en búsqueda de un equilibrio.
- El equilibrio mismo está en movimiento, es una falacia unir al equilibrio con lo estático.
- No hay movimiento sin punto fijo.
- El movimiento pone en evidencia al punto fijo.
- El punto fijo, también se mueve.
De la articulación teorica a su practica: Para el TTG, y en la mismísima vida, es de destacar la importancia, en saber colocarse en relación a un punto fijo, en una situación dada, en una relación con respecto a otro (Relación yo – tu).
Si todo se mueve sin punto fijo, y al mismo tiempo, todo se torna incomprensible, genera confusión y desorganización.
Lo que marca un pensamiento creativo es justamente proceder a saltos, a través de una desorientación imprevista que lo obliga a reorganizarse de forma nueva, abandonando la cáscara bien ordenada, Es el pensamiento en vida, rectilíneo, no univoco. Es importante incluir el concepto de Autorregulación creativa (A. Buneta y A. Segovia 2008) como la integración de la autorregulación organísmica y el ajuste creativo.
Trabajar sobre los aspectos creativos de cada persona – Actor se caracteriza por tres modalidades: Peripecia, desorientación y precisión.
Los saltos del pensamiento pueden ser definidos como peripecias. Peripecia es una trama de acontecimientos que hacen desarrollar una acción de manera imprevista, o la hacen concluir del modo opuesto al que se ha empezado. La precisión corresponde a la eliminación de la redundancia
Des – orientación no es confusión. Sócrates en los diálogos con Platón, lo acosa, los inquiere con continuas preguntas, a fin de que la idea salga del alumno como algo que allí estaba y que necesitaba la fuerza mayéutica del dialogo para salir a la luz. En esto se une a las ideas de Heidegger, cuando habla del arte, que produce un efecto de des-ocultación, hacer acontecer el ser – obra. Reclamar presencia de lo oculto.
Y la mayéutica que quiere decir el arte de la partera, es el arte de traer a la luz, y por consiguiente hacer respirar al pensamiento.
Voy a ilustrar esto con la practica: Escena esposa descubre la infidelidad de su esposo con su mucama, la cual está presente en esta escena, se comienza a desarrollar el conflicto, que fácilmente cae en un clisé, entonces se introduce la peripecia siguiente, se le pide a la esposa que a su vez actúe una diarrea explosiva, esto produce unos instantes de desorientación, para dar luego paso a la acción precisa, eliminando la redundancia del Clisé.
Existe una regla muy conocida por lo actores: empezar una acción partiendo por la dirección opuesta a aquella hacia la cual esta dirigida. Reproduce un carácter esencial de todas aquellas acciones que en la vida cotidiana requiere cierta energía; así antes de golpear, echamos el brazo hacia atrás, antes de saltar hacia arriba doblamos las rodillas, antes de saltar hacia delante nos movemos hacia atrás “Reculer pour Vieux sauter”. El actor antes de realizar su acción ejecuta su opuesto complementario. Ésta es una puesta en práctica del concepto de polaridades.
La búsqueda a través del teatro terapéutico, no otorga un fértil encuentro de potencialidades dormidas, a partir de juegos de luces y sombras, agitando los velos de la conciencia
El recorrido que planteo es del Juego a la celebración, deviniendo en una gran fiesta. El juego porque exige siempre un “jugar-con”, esto nos prepara para todo trabajo en relación, y en este juego todos somos co-jugadores.
Bibliografía:
Le corps poétique (1997), Jaques Lecoq
Arte y Poesía. (1937). Martin Heidegger
El arte secreto del actor. Eugenio Barba- Nicola Savarese
La actualidad de lo bello. Hans-Georg Gadamer